Il portiere di notte (1974)

A tentação irresistível é analisar este filme com base nas clássicas dicotomias do dever e da moral, da dor e do prazer, do bem e do mal.
É um filme sobre as relações humanas e a sua complexidade. Um amor desenvolvido por uma prisioneira de um campo de concentração nazi e um oficial das SS hitlariana. Em 1957, treze anos após a sua libertação, têm um reencontro, por mero acaso, num hotel de Viena de Áustria, numa vivência já de paz e democrática. O ex- oficial trabalha como porteiro nocturno do hotel e faz parte de uma organização secreta nazi que pretende eliminar todos aqueles que possam ser possíveis denunciadores. Lúcia (Charlotte Rampling) é um alvo a abater, mas Dirk (Maximilian Theo Aldorfer) não só não o faz, como ainda a protege. E são, então, confrontados com toda uma relação exposta à degradação física e mental. É muito mais do que um filme sobre relações sadomasoquistas. Mais do que a luta entre o bem e o mal, num plano mais geral, há uma dimensão humana que se sobrepõe às questões de justiça. Seria legítimo que Lúcia renunciasse ao seu amor quando Dirk dava indícios de arrependimento e de querer regressar a uma vida normal, longe da guerra e das perseguições. Poder-se-á perguntar o que é mais importante a capacidade de perdoar e de tolerância ou a atitude de vingança. E também questionar o direito à liberdade de opção deste casal pela felicidade, por uma vida própria. No fundo tudo se resume a saber se a liberdade existe após a derrota do nazismo.
Como nota suplementar, será de assinalar que a música que Lucia canta, num grande momento do filme, no qual imita a Lola de Marlene Dietrich, em "O Anjo Azul", de 1930, inspirou, mais tarde, também um videoclipe da Madonna.

Lloyd Cole and the Commotions "Perfect Skin"

Perfect Skin Lloyd Cole and the Commotions "Rattlesnakes"(1984)

La Haine (1995)

A história decorre após uma enorme revolta e confrontos violentos em Paris entre jovens e a polícia. Tanto que o filme é dedicado a todos os que morreram durante a sua realização. Um filme onde ficção e realidade andam de mãos dadas. Faz-nos lembrar, de algum modo, filmes fabulosos como “Cidade de Deus” ou “American History X” mas num contexto europeu. Foi um filme polémico em França, por evidenciar e retratar de forma nua e crua a realidade das zonas mais pobres e degradadas dos bairros sociais da periferia, povoados em larga dimensão por africanos e seus descendentes, onde o desemprego a pobreza e o crime é uma constante.
Três jovens deambulam por Paris após os derradeiros acontecimentos e distúrbios, um judeu, Vinz (Vincent Cassel) um árabe, Said (Saïd Taghmaoui) e um negro Hubert (Hubert Koundé), três personalidades muito diferentes, unidos pela amizade e decadência em que sobrevivem num ambiente de rude violência. Onde tal como Hubert , supostamente, o mais controlado , diz ”O ódio gera ódio”, e essa ideia fica bem patente em todo o filme. Vincent , quer a todo o custo vingar-se por um amigo, Abdel (Abdel Ahmed Ghili) que foi brutalmente espancado por um polícia e se encontra à beira da morte. Declara-se a corrupção dentro da própria polícia e os valores que as norteiam, no que respeita a drogas e torturas. As 24 horas em que o filme acontece vão-se intensificando numa série de conflitos terminando num desenlace algo inesperado. O final faz-nos reportar para uma citação que nos aparece no início do filme “O importante não é a queda, mas como se aterra.” Acaba por ser um filme político, onde o que importa não é apontar soluções, mas sim reflectir sobre esta complexa realidade, como o racismo e a imigração.
A película, toda ela a preto e branco confere maior intensidade dramática a todas cenas. É um filme de muitas emoções, medo, raiva, alegria, tristeza mas o ódio, que dá titulo ao filme prevalece de princípio ao fim.
Vincent Cassel, incorporando uma personagem consumida pelo ódio e capaz das maiores atrocidades, merece uma referência especial pela sua interpretação, trazendo-nos por momentos, à memória Robert de Niro em Taxi Driver.
A referir, venceu o prémio de “Melhor Realizador” em Cannes e também de ”Melhor Filme” nos Césares.
Em jeito de curiosidade, Mathieu Kassovitz, que também é actor, foi o protagonista de "Amélie Poulain".

Cabaret Voltaire "Sensoria"

Sensoria Cabaret Voltaire "Micro Phonies"(1984)

Discos da minha vida # 17

Prefab Sprout "Steve McQueen" (1985)

The Young Gods "September"

September The Young Gods "Play Kurt Weill" 1991

The Dreamers 2003

The Dreamers, filme realizado por Bernardo Bertolucci, mais conhecido pela polémica película “Último Tango em Paris”, mas também pelo "O último Imperador” ou “Beleza Roubada” voltou a chocar susceptibilidades, após a sua apresentação em 2003. Essas reacções deveram-se não só à nudez explícita e descomplexada de algumas cenas do filme como pelo seu eventual carácter algo transgressor.
A película aborda a ida de um jovem, Mathew (Mathew Pitt) que vai vai estudar para Paris. Lá cruza-se com os irmãos gémeos Theo (Louis Garrel) e Isabelle (Eva Green) e acaba por os conhecer e ir viver com eles, enquanto os pais deles estão para fora. Mathew é um amante de cinema. A paixão pelo cinema acaba por uni-los. As relações adensam-se, tornando-se cúmplices cada vez mais obsessivas e ciumentas. Tudo decorre com o Maio de 68 como pano de fundo e com todo o movimento contestatário que daí advém.
Bertolucci de uma forma soberba realiza paralelismos entre afectos, sexualidade e amor com ideais, utopias e revoluções. Centrando-se numa relação de três jovens em que tudo é levado aos limites, transgredindo convenções, vemos uma reflexão sobre a passagem da adolescência para o mundo adulto e de todas as contradições que lhe são subjacentes, chegando a pôr em causa as suas próprias convicções.
Dreamers, para além de caracterizar uma geração, é também um hino de amor à sétima arte. O filme mantém do início ao fim, através de uma excelente montagem, inúmeras referências a filmes clássicos memoráveis e intemporais: Band à Part, Freaks, Queen Cristina, Persona, À Bout de Soufle, Blow up, Mouchette.
Deliciosa é também a discussão de Mathew e Theo sobre Buster Keaton e Charles Chaplin , Jimy Hendrix e Eric Clapton.
De referir ainda o desempenho do magnífico elenco, a soberba fotografia, a que Bertolucci sempre nos habituou e a escolha selectiva da banda sonora, bem apropriada à época: Doors, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Edith Piaf, Geat, ful Dead, François Hardy, Montand.

De volta...

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Minus Zero - Merzbow - "Red Magnesia Pink"

Pedimos desculpa pelo incómodo...

...de férias!

Naked Lunch (1991)

O filme O Festim Nu combina o romance de Burroughs, Naked Lunch e inspira-se na morte preversa da mulher de Burroughs.
Cronenberg conjuga uma mistura de facto e ficção dentro do enquadramento rígido e formal do film noir. O resultado é mais um retrato surreal de Burroughs do que uma narrativa tradicional.
Peter Weller é Bill Lee (pseudónimo de Burroughs), um exterminador viciado no seu próprio pozinho contra insectos, que após ter morto acidentalmente a mulher, escapa para a misteriosa interzona. Lá é recrutado como espião num mundo habitado por máquinas de escrever que são insectos vivos, criaturas diversas, de cujos corpos brotam substâncias estranhas.
A subversão da narrativa por parte de Cronenberg é admirável, e admiráveis são também os desempenhos de Weller, Judy Davis e Roy Sheider. Mas a par da fotografia de Suschitzky merece também menção a música espantosa, uma colaboração entre Howard Shore, o compositor preferido de Cronenberg e o lendário saxofonista Ornette Colman.
Para além de Cronenbeg, entre outros, estiveram interessados em adaptar esta obra Terry Southern, John Huston, Frank Zappa, e Terry Gilliam.
Naked Lunch conquistou sete premios no Genie Awards, incluindo Melhor Filme e Melhor Director.

Peter Murphy "The Sweetest Drop"

The Sweetest Drop Peter Murphy "Holy Smoke" (1992)

Factory

A gravadora Factory um dos nomes mais importantes para a divulgação da música electrónica inglesa dos anos 80 reabriu as suas portas em Manchester no início deste ano. Peter Hook, baixista do New Order, inaugurou no mesmo local onde funcionavam os escritórios da empresa, a casa shows FAC251.
O espaço está desocupado desde 1993, quando o empresário Tony Wison anunciou o fim da gravadora.
A Factory lançou nomes importantes do pós – punk como Joy Division, New Order Happy Mondays…
As instalações da FAC251 terão assinatura de Ben Kelly, o arquiteto responsável pelo projeto do Hacienda - casa noturna considerada o embrião da cena clubber na Inglaterra. A história da famosa disco é contada no filme “A festa nunca termina”, de Michael Winterbottom.
O novo clube terá três andares, com capacidade para 350 pessoas.
Hook promete apresentar nas festas do FC251 tocando hits que fizeram parte do catálogo da Factory, mas também dará espaço para novas bandas.
Quem passar lá por perto nestas férias, tem um novo espaço a visitar.

Wanda (1970)

Wanda é um filme praticamente desconhecido realizado por Barbara Loden. Este é um belíssimo filme dentro da produção americana independente , que descreve através de uma personagem, uma figura magnífica, vagabunda, que se encontra à margem da ordem social, uma mulher desprovida de motivações, desejos ou força de carácter. Wanda deixou marido e filhos, erra sem destino até que conhece um ladrão, Dennis, de quem se torna amante e cúmplice.
Ela representa o oposto das mulheres independentes e contestatárias dos anos 70. Ela vagueia agarra-se às oportunidades que lhe vão surgindo no caminho como tábua de salvação. Mas nada lhe é indiferente, ela apenas espera alguém em quem confie. Ela não é ninguém, não tem identidade. Ela fez-se à estrada porque não era boa em nada, foi despedida do emprego, porque não era suficientemente rápida. O final do filme é bem exemplificativo da compaixão que ela nos faz sentir, sozinha no meio da multidão.
Wanda é um filme de uma violência contida peturbadora.
Loden foi aluna de Kazan e trabalhou com ele como actriz em Wild River (1960), o seu segundo filme; e em Splendor in the Grass (1961). Três anos depois casou com Kazan e com ele trabalhou.
Em 1970 realizou este seu único filme,cujo argumento é feito em parceria com Nick Proferes, com quem trabalhou em vários projectos. É também a interprete de Wanda.
Faleceu em 1980 com apenas 48 anos mas deixou-nos este filme exemplar, retrato de uma sociedade triste e indiferente aos loosers.

Discos da minha vida # 16

Bauhaus "In The Flat Field" (1980)

O Couraçado Potemkine (1925)

O Couraçado Potemkine é considerado o melhor filme russo e um dos grandes filmes da história do cinema mundial.
Potemkine foi um filme encomendado por Lenine para comemorar os vinte anos da revolta dos marinheiros e de todo o apoio prestado por estes ao proletariado na luta contra o czar. Compreende-se assim que o filme de Serguei Eisenstein seja também um dos maiores filmes de propaganda da história. Foi filmado na União Soviética em 1925, onde narra a história da revolta da tripulação da marinha russa, em 1905. Mostra toda a situação precária dos marinheiros oprimidos e revoltados contra os constantes abusos. Eisenstein transmite melhor que ninguém, toda a envolvência da união dos povos que lutavam contra a desigualdade e por melhores condições de vida.
Esta película teve décadas de censura em diversos países por ser considerado perigoso e subversivo, ensaios incontáveis que analisam a sua estrutura, simbolismo, origens e efeitos, milhares de citações visuais, tudo isto contribuiu para obscurecer a estória por trás do filme. É notável não só a visão lendária sobre a opressão e a revolta, a acção individual e colectiva, mas também a ambição artística de trabalhar em simultâneo com corpos, luz, objectos triviais, símbolos, rostos, movimentos e formas geométricas. Eisenstein revolucionou o modo de se fazer filmes com as suas inovadoras técnicas de fazer o corte e a montagem.
Muitos são os espectadores que só viram os extractos ou sequências mais famosas de Potemkine. Ficarão decerto surpreendidos, ao experimentarem a força desta história comovente e dramática, que a película transmite, quando a virem na totalidade.
O filme tem várias imagens memoráveis o carrinho do bebé que cai dos degraus ; o rosto de um marinheiro morto sob uma tenda no fim do cais ; os vermes na carne; os óculos do poder político. Mas a cena aterrorizante da escadaria de odessa, é talvez o momento mais brilhante de todo o filme. Sequência que Brian de Palma copiou em The Untouchables em 1987.

This Mortal Coil "Another Day"

Another Day This Mortal Coil " It'll End in Tears" (1984)

Bauhaus "Telegram Sam"

Telegram Sam Bauhaus "Telegram Sam" (1980)

M (1931)

M é o primeiro filme sonoro de Fritz Lang e, na época, o som era uma criança de três anos. Os primeiros haviam-no explorado como novidade técnica para bater concorrentes poderosos. Muito poucos foram os que, nesses primeiros tempos, viram o mais que adiante se veria, ou seja que o cinema iria ser cada vez menos coisa só de ver, coisa só de imagens. Entre esses muito poucos, lugar de grande relevo assume esta obra de Rouben Mamoulian. Mas este filme de Fritz Lang dá por essas bandas sonoras um salto em frente de todo o tamanho. Ainda se está no genérico (com desenhos de sabor expressionista), quando se começa a ouvir o assobio, com o tema do Peer Gynt de Grieg. A música é relativamente familiar e só mais tarde se saberá o que ela significa para o protagonista, para as suas vítimas e para o desenrolar da própria acção.
Quando o assobio cessa, vemos em plongé a roda das crianças, cantando uma lenga-lenga infantil, cuja letra alude ao homem preto que vem aí para te fazer em picadinho. Há um longo movimento ascensional da câmara, que vai ter a uma mulher que manda acabar com aquela “maldita cantilena”. Mas a cantilena não acaba e ouvimo-la ainda na imagem seguinte, sobre o famoso plano em que a sombra de Peter Lorre se projecta no cartaz que pede a captura do assassino. Quando, mais tarde, se volta a ouvir, em in e já não em off, o famoso assobio, percebe-se que a “maldita cantilena” talvez fosse menos a das crianças, e mais a que, antes do genérico, tínhamos escutado. A lenga-lenga dos miúdos indicara uma cor e uma sombra; o tema de Grieg era o leitmotiv da morte e do impulso para ela. Assim, o elemento inquietante não vinha do tema musical que aparentemente o era (pela sinistra letra e pelo sinistro ritmo) mas da folclórica dança nórdica do pacífico e sentimental compositor norueguês que se chamou Edvard Grieg. As aparências enganam.
Assobia na noite quem tem medo e está só. Assobia quem sente necessidade de acompanhamentos (companhias) para estremeções que não controla e que o fazem rodopiar. Para danças obscuras, sem mãos dadas, como as rodas das crianças. (...)
E assim chegamos ao outro pólo da obra: o medo. Medo de Beckert de si mesmo e dos outros; medo do olhar sem dono que comanda a sistemática visão em plongé; medo dos polícias e medo dos ladrões, recíproco e comum; medo dos olhares fixos que não sabem ouvir (o espantoso contracampo que descobre a Lorre a multidão dos seus julgadores, fixos no silêncio e na impossibilidade de escutar); medo do que os olhares lhe devolvem das suas próprias palavras e das palavras dos seus defensores e acusadores (o prodigioso vaivém da câmara na sequência do julgamento); medo do que só é visto por emanação; as sombras, os frutos, as luvas, os bibelots, tudo o que dá sinal de uma presença, ocultando essa mesma presença.
Porque neste filme (donde o sistemático recurso à montagem paralela) tudo se intercomunica: os gestos dos ladrões repetem os dos polícias ou vice-versa, como se repetem os discursos uns dos outros; a condenação vem tanto da lei como da ausência dela.
Porque neste filme não é nas prisões nem no mundo do crime que há que procurar Beckert, mas nos asilos e nos manicómios, Beckert não é encontrado por ter cadastro, mas por ter estado internado num hospício de loucos.
Meditação sobre a inanidade da culpa e o absurdo da justiça - temática cara de Lang e que a sua obra futura desenvolveria “para além de razoáveis dúvidas” - M é sobretudo a descida à última razão de ser do que separa os actos dos motivos deles, o visível do invisível, o que cabe em palavras e o que elas jamais podem dizer, o audível do inaudível. Entre a sua imagem e o seu “sopro”, Beckert não encontrou o meio termo “em que talvez tivesse podido substituir”. Com M, o som, misturando-se com a imagem, recuperou o mundo das paixões para o espaço privilegiado delas que é a mudez. O primeiro grande filme sonoro é o primeiro filme do total silêncio.
Tudo reside num assobio e numa dança. Ou seja, no cinema.

João Bénard da Costa
(texto adaptado)

E foi assim que tudo começou...

Sala de Projecção, dos finais do Século XIX, inicio Século XX

"Em 28 de Dezembro de 1895 tem lugar em Paris, no Grand Café (Boulevard des Capucines), a primeira projecção pública com entradas pagas, considerada a data “oficial” do nascimento do Cinema.
Até aí, graças ao Kinetograph, aparelho patenteado e desenvolvido por Thomas Edison e mostrado pela primeira vez a 20 de Maio de 1891, os filmes pouco mais eram do que pequenas curiosidades de feira que podiam apenas ser vistos individualmente, “espreitando” para interior do Kinetoscope.

Homem assiste a uma sessão do Kinetoscope

Apesar de ter sido Edison o primeiro a descobrir as possibilidades da película e da exibição na própria camera, não lhe é hoje reconhecida a paternidade do cinema, por nunca ter acreditado nas suas possibilidades de exibição num ecrã.

Thomas Edison

O Cinema só nasce aquando da sua primeira experiência colectiva e, da sessão de 28 de Dezembro, inteiramente preenchida com 10 filmes dos irmãos Lumière, fica celebre o episódio da exibição de “L'Arrivée d'un Train à la Ciotat”, onde o público, espantado com o realismo da projecção, foge em pânico da sala com medo de ser esmagado."


Pedro Vasconcelos

Thelonious Monk "Round About Midnight "

Thelonious Monk Round About Midnight (1944)

Metropolis (1927)

Metropolis que originalmente durava mais de duas horas, é o primeiro épico de ficção cientifica, com os seus enormes cenários, centenas de figurantes, efeitos especiais de última geração e sequências fantásticas de grande inovação. A película do director austríaco Fritz Lang, um dos célebres representantes do expressionismo alemão, colocou os estúdios da UFA à beira da falência , dado que este foi um enorme fracasso de bilheteira.
A distribuição desta dispendiosa película foi interrompida, pouco depois da sua estreia e, contrariando os desejos de Lang, o filme foi remontado. A maior parte do público conheceu ,assim, uma Metropolis simplificada e até colorida como é o caso da versão de Giorgio Moroder nos anos 80. Só no século XXI nos aproximámos da verdadeira obra de Lang devido a uma restauração parcial que recuperou muitas cenas ignoradas durante décadas e as colocou na sua ordem original e com os intertítulos correctos. Em lugar das cenas ainda não encontradas foram inseridas legendas de ligação. Esta nova versão dá ao filme que era considerado de ficção científica uma visão mítica, uma vez que elementos de arquitectura, indústria, design e política dos anos 20 são misturados com referências medievais e bíblicas. É criado assim, um ambiente de estranheza impressionante: um cientista louco com uma mão de aço que é em simultâneo um alquimista, um robô queimado na fogueira, os trabalhadores de uma de uma fábrica enorme marcham penosamente em direcção à mandíbulas de uma máquina.
A história passa-se em 2026, um século depois do lançamento do filme. A narrativa trespassa a realidade da época. A Revolução Industrial tinha atingido o seu auge, o sistema capitalista dava sinais de desgaste, havia um certo pessimismo relativamente ao futuro.
Fritz Lang traça um retrato do que iria acontecer no futuro nos grandes centros urbanos.
Metropolis é um território que se encontra claramente dividido entre os senhores e a classe operária, mas também pelas máquinas.
O Homem e a tecnologia estão intrinsecamente ligados, numa relação de dependência, que ilustra bem o domínio da máquina sobre o ser humano.

Discos da minha vida # 15

The Waterboys "This is The Sea" (1985)

The Cure "A Forest"

A Forest - The Cure "Seventeen Seconds" (1980)

Last Days (2005)

Last Days retrata o último período da vida do maior ícone do movimento grunge, e uma das maiores referências do rock dos anos 90, Kurt Cobain, líder dos Nirvana. A inspiração foi o suicídio de Cobain, mas a fita desliga-se de qualquer concretização e filma os derradeiros dias de alguém que está, nitidamente, num processo de autodestruição. Este filme fala sobre a meditação no isolamento, na morte e na perda. Divaga sobre o lugar de um mundo muito pessoal e intimista numa atmosfera controversa. É uma obra cinematográfica de grande qualidade, que segundo o próprio autor, fecha uma trilogia denominada ciclo da morte (sendo os outros dois filmes: "Gerry", de 2002, e "Elephant", de 2003).

Laurie Anderson "World Without End "

World Without End - Laurie Anderson "Bright Red"(1994)

Wim Mertens "Struggle for Pleasure"

Struggle for Pleasure - Wim Mertens "Struggle for Pleasure"(1983)

3 Grandes Obras Subvalorizadas

Fui convidada pelo Roberto Simões do blogue “Cineroad – A estrada do cinema” para participar numa iniciativa intitulada ”3 grandes obras subvalorizadas”, que consiste em cada convidado destacar três filmes à escolha, os quais não tenham sido devidamente valorizadas no mundo do cinema, na década de 2000. É mais um projecto, que se apresenta como mais uma oportunidade de bloggers colaborarem entre si.
Agradeço, desde já, ao Roberto pela honra do convite que me fez. Recomendo vivamente que visitem o Cineroad e comentem.



Estas foram as minhas escolhas:

Zui Hao de Shi Guang (2005) de Hou Hsiao Hsien
Alexandra (2007) de Aleksandr Sokurov
Cztery noce z Anna (2008) de Jerzy Skolimowski

Un Chien Andalou (1928)

A estreia de Luís Buñuel na realização feita em parceria com o pintor Salvador Dali, está gravada na história do cinema, por muitos motivos, mas acima de tudo devido à imagem que nos ocorre quando nos lembramos do filme: a de uma uma lâmina que corta um olho ao meio. Muito se especula sobre o significado desta imagem emblemática. Para uns é uma táctica de choque, para outros um símbolo da visão modernista, para outros um exemplo da violência masculina sobre as mulheres, e ainda para outros, um anúncio de um nova visão da realidade. Uma coisa é certa, a imagem, bem como todo o filme, possui um forte carácter onírico com claras influências da psicanálise, Buñuel e Dali exploram o inconsciente humano. Un Chien Andalou tem sido reduzido demasiadas vezes a uma sequência de imagens impressionantes, que para muitos poderá parecer desconexa e incongruente: um cavalo morto sobre um piano ou formigas a sair de uma mão. É esquecido deste modo o que dá à obra coerência, uma narrativa que faça sentido, por entre os fragmentos do inconsciente do espectador. A realidade que interessa aos surrealistas. Até ao fim da sua carreira, Buñuel nunca deixou de explorar esta dialéctica entre a racionalidade e as forças profundas do id.

Discos da minha vida # 14

Joy Division - "Unknown Pleasures" (1979)

The Chameleons

The Chameleons actuam hoje, no Santiago Alquimista, em Lisboa, 25 anos depois de terem tocado na capital, no Rock Rendez-Vous.
A banda de Mark Burgess surgiu em Manchester em 1981 na vaga pós-punk do Reino Unido, pouco tempo de depois de outros projectos como Echo & The Bunnymen e The Cure.

O primeiro álbum de estúdio, "Script of the Bridge", data de 1983 e é considerado o melhor da carreira dos Chameleons, somando-se a ele várias sessões que gravaram com o radialista e divulgador John Peel.

Um ano depois da estreia discográfica passaram por Portugal para tocar, em 1984, no Rock Rendez-Vous.

O grupo rompeu em 1987 e só voltou a ser reactivado no virar do milénio com a edição dos registos "Strip" (2000) e "Why call it anything" (2001), embora nos anos 1990 tenham sido lançados vários álbuns gravados ao vivo.

Interpol, The Horrors e Blacklist são alguns dos projectos mais recentes a quem são atribuídas influências dos Chameleons.

Do grupo fazem parte Mark Burgess (voz e baixo), Reg Smithies (guitarra eléctrica), Dave Fielding (guitarra elétrica) e John Lever (bateria).

Fonte Diário de Notícias

Erika Stucky´s Bubbles+Bangs

Tom Waits - Teatro Le Palace - Paris (1979)

Tom Waits - Teatro Le Palace, Paris. (1979)

Alinhamento:

- Heartattack and Vine

-'Til the Money Runs Out

- Annie's Back in Town

- I Wish I Was in New Orleans

- Wrong Side of the Road

- Jersey Girl

- Step Right Up

La Graine et le Mulet - O Segredo de um cuscuz (2007)

Estamos perante a terceira longa-metragem de Abdel Kechiche um realizador de origem Tunisina, mas radicado em França. O filme é reflexo dessa realidade social, a integração num novo território e as relações dentro do seio familiar árabe. A história centra-se em Slimane Beiji, com os seus sessenta anos, divorciado, que tenta sobreviver ao despedimento dos estaleiros onde sempre trabalhou, às tensões com a sua família e às dificuldades financeiras.
Beiji deixa para trás o emprego no estaleiro local para concretizar um sonho de longa data, abrir um restaurante num velho barco, o único bem que possui e que tenta reconstruir com a ajuda dos filhos e de Rym, filha da sua companheira.
O filme tem cenas memoráveis como, no final, a cena da dança de Rym, a conversa desta com Beiji e a cena da longa conversa que Rym com a sua mãe.
Filme realizado com meios muito escassos, mas grandioso pela forma como capta por um lado a cumplicidade humana, o sentimento de pertença, os valores, os sonhos partilhados, e por outro o ódio e a xenofobia.
Não é à toa que Hafsia Herzi, na pele de Rym, recebeu o prémio de Actriz Mais Promissora nos Césares,bem como também foram atribuídas as outras três distinções a ”La Graine et le Mulet” no mesmo evento (Melhor Realizador, Argumento e Filme) ou o Prémio Especial do Júri no Festival de Veneza de 2007.

Häxan (1922) - Coil

Chelovek s kino-apparatom - O Homem da Câmara de Filmar (1929)

Interpol "Lights"

O Interpol lançou, esta semana, no seu site oficial, o clipe da música "Lights". Este é o primeiro single do novo álbum homônimo da banda. O vídeo foi dirigido por Charlie White, que já trabalhou com o Interpol no clipe de "Evil".
Este será o sucessor do disco de 2007 do grupo, Our Love to Admire.
O novo álbum que sai para as lojas a 14 de Setembro será o último a contar com o ex-baixista Carlos D, este será substituído pelo ex-Slint David Pajo. Juntamente com David Pajo entra também Brandon Curtis, membro dos Secret Machines.
Na última segunda-feira, 21, o Interpol deu o seu primeiro concerto em dois anos, em Nova York, já com o novo baixista, Pajo, e o teclista Curtis.

Coffe and Cigarettes (2003)

Em 1986 Jarmusch começou a trabalhar neste projecto que o levou numa direcção bastante diferente do que tinha realizado até à altura: uma série de curta-metragens , que deram pelo nome de Coffe and Cigarettes. As curtas são deliciosamente divertidas, tudo é filmado com poucas preocupações em preto e branco, e escritos com um ouvido apurado para as banalidades absurdas das pequenas conversas do dia a dia.
O valor destas conversas, além das suas observações cómicas, é o facto de que Jarmusch consegue fazer tanto com tão pouco, usando apenas grandes planos, planos com duas pessoas e ocasionalmente planos picados sobre a mesa com café e os cigarros, foca a atenção directamente nos personagens e nas suas tentativas perturbadas de simpatizarem um com o outro. O filme conta com a participação de vários actores e artistas sonantes do mundo do cinema e música como Tom Waits, Iggy Pop, Roberto Benigni, Bill Murray, Cate Blanchett e Steve Coogan.
O filme acaba por ser uma apologia ao direito de escollha, para vícios como fumar ou tomar café.
E é mesmo verdade, no fim de vermos o filme ficamos com vontade de tomar um café e fumar um cigarro.

Discos da minha vida #13

Violent Femmes - "Violent Femmes" (1982)

The Limits of Control (2009)